TABLEAUX – 20TH
Miçao KONO
« Nu féminin allongé »
Huile sur toile
Signée « Miçao Kôno » en bas à gauche, avec son monogramme
Datée « XXXVII » (1937)
Cadre ancien
Dimensions : 46 x 61 cm
Dans cette composition horizontale, Miçao Kono représente une jeune femme nue, allongée sur une couche de tissus et de coussins. La tête soutenue par ses mains, le modèle regarde le spectateur avec une expression à la fois rêveuse et assurée. Sa chevelure rousse, savamment ondulée, son maquillage marqué et ses ongles vermillon confèrent à la figure une présence presque théâtrale.
Le peintre oppose la douceur lumineuse du corps, traité dans une gamme de blancs nacrés, de roses et de tons ivoire, aux nuances plus sombres et vaporeuses du fond. À l’arrière-plan, les coussins aux tonalités turquoise, vertes et corail introduisent des accents colorés qui structurent l’espace sans rompre l’harmonie générale. Le modelé délicat de la peau, la stylisation des traits et la souplesse des contours participent à l’élégance décorative de l’ensemble.
Une œuvre représentative de la peinture de charme de l’entre-deux-guerres, où la sensualité du sujet s’allie à une recherche de raffinement chromatique et de grâce décorative.
Miçao KONO (1876-1954)
Un peintre japonais au cœur de l’Art déco parisien
Né au Japon en 1876, Miçao Kono appartient à cette génération d’artistes japonais qui, au début du XXe siècle, se tournèrent vers Paris, alors capitale internationale des arts, pour y découvrir de nouvelles formes d’expression et confronter leur sensibilité à la modernité occidentale. Peintre, aquarelliste et graveur, il développe une œuvre figurative singulière, à la croisée des traditions esthétiques japonaises et du raffinement décoratif de l’entre-deux-guerres.
Kono arrive à Paris au début des années 1920. La ville connaît alors une intense effervescence artistique : les héritages de l’impressionnisme et des avant-gardes côtoient les recherches décoratives qui annoncent ou accompagnent l’épanouissement de l’Art déco. Dans ce milieu cosmopolite, les artistes venus du Japon occupent une place particulière. Leur regard, nourri d’une autre tradition du dessin et de la composition, participe au renouvellement du langage figuratif européen.
Le parcours de Kono est notamment associé à celui de Tsuguharu Foujita, artiste japonais établi à Paris, avec lequel il aurait entretenu des liens artistiques. Comme d’autres peintres de sa génération, il cherche à concilier son héritage culturel avec les goûts et les attentes du public parisien. Son œuvre témoigne de cette rencontre sans se réduire à une simple imitation des modèles occidentaux.
C’est à partir de la fin des années 1920 que son nom apparaît dans les circuits artistiques parisiens. Il expose notamment des portraits féminins, des nus et des compositions florales. Ses œuvres sont présentées à la galerie Georges Bernheim à partir de 1929, puis lors d’une exposition qui lui est consacrée en 1930. La même année, il participe au Salon d’Automne et au Salon des Indépendants, deux manifestations importantes de la vie artistique française. Les sources de galerie mentionnent également l’obtention du prix Nikwa en 1930, distinction qui témoigne de la reconnaissance dont il aurait bénéficié dans les milieux artistiques japonais.
La peinture de Kono se distingue par la place centrale accordée à la figure humaine, et plus particulièrement à la figure féminine. Ses modèles apparaissent dans des attitudes abandonnées ou méditatives, parfois dans des compositions intimistes qui privilégient la grâce du geste et la douceur des contours. Le nu, traité sans monumentalité, devient chez lui un sujet de délicatesse et de sensualité contenue. Les visages, les mains et les lignes du corps participent d’une même recherche d’équilibre.
Sa palette, souvent dominée par des tons clairs et des harmonies pastel, contribue à cette impression de légèreté. Les roses, les blancs, les ocres délicats et les nuances assourdies installent les figures dans une atmosphère feutrée. Cette sensibilité chromatique a été rapprochée de celle de Marie Laurencin, tandis que l’élégance des compositions et leur dimension décorative inscrivent certaines de ses œuvres dans l’esthétique de l’Art déco. Les références à la Commedia dell’arte, notamment à travers la figure d’Arlequin, enrichissent également son répertoire iconographique.
Au Salon des Indépendants de 1933, Kono attire l’attention avec des nus qualifiés de « nus de porcelaine », expression qui évoque la finesse de leur modelé, leur aspect lisse et leur apparente fragilité. Cette impression tient aussi à la matérialité de certaines peintures, dont la surface présente une brillance particulière et, avec le temps, des craquelures. Des notices commerciales attribuent ces effets à l’emploi de blanc d’œuf dans la préparation picturale.
L’œuvre de Miçao Kono trouve ainsi sa place dans l’histoire des échanges artistiques entre le Japon et la France durant l’entre-deux-guerres. Sans appartenir aux figures les plus documentées de l’École de Paris, il représente un aspect intéressant de cette rencontre : celui d’un artiste qui adopte les sujets, les formats et les sensibilités décoratives de son temps tout en conservant une approche personnelle de la ligne, de la couleur et de la figure.
Il meurt en 1954, laissant une œuvre aujourd’hui principalement connue à travers des peintures conservées dans des collections privées et régulièrement présentées sur le marché de l’art. La redécouverte de ses tableaux permet d’apprécier la singularité de cette peinture intimiste, où la sensualité du sujet s’allie à une recherche de raffinement et de légèreté.
Miçao Kono demeure ainsi un témoin attachant de la présence des artistes japonais dans le Paris de l’entre-deux-guerres et de la manière dont les sensibilités artistiques se rencontrèrent, se transformèrent et s’enrichirent au contact de l’Art déco.